Мир музыки
Отличие H аккорда от B аккорды
Наверное, вы не раз сталкивались с различным написанием латинских обозначений звуков си и си-бемоль, а также построенных от них аккордов. Причины введения восьмой латинской буквы восходят к давним временам, когда такие обозначения только зарождались. Для начала я определю верное написание нот, и уж затем обратимся к истории.
Правильно: си - H, си-бемоль - B. Отмечу, что это именно си-бемоль, понижение тона си, встречающийся во всех бемольных тональностях, и выступающий в остальных как хроматизм. Энгармонически равный ему ля-диез следует называть A#. Прочие обозначения (Bb и Hb) неправомерны. Внимание! Слово "правильно" в данном случае подразумевает давнюю традицию написания в большинстве европейских стран, такими обозначениями пользуются композиторы и преподаватели в крупнейших и почетнейших музыкальных учебных заведениях.
Почему же так и не иначе, и с чего все началось? Привожу наиболее достоверную версию. Первые буквенные обозначения для ступеней певческого звукоряда, появившиеся еще до нашей эры в Древней Греции, использовали греческий и финикийский алфавиты (позднее - только греческий). В раннем средневековье (к X веку) для названия звуков стали применять латинский алфавит, из которого употребляли первые семь букв по числу ступеней основных звукорядов практикуемых в тот период ладов. Более всего одноголосой музыки к тому времени было написано в ладах, ныне называемых среди натуральных фригийским и эолийским (одноименные древнегреческие лады имели иную структуру, построенные соединением нисходящих по высоте четырехзвучий-тетрахорд). Характерной особенностью музыкальной нотации на тот момент было обозначение за A самого низкого звука, который мог исполнить тот или иной певец, от которого и велись наименования и счет интервалов. Приблизительно равные по популярности два лада были схожи и интервально, отличаясь только во второй ступени. Поэтому для нее применяли обозначение двух видов, отличающееся в написании буквы B - квадратном для более высокого звука (твердого, B-durum) и округлом для низкого (мягкого, B-mollis). Неизбежное разночтение рукописного почерка и потребовало введения очередной латинской буквы для обозначения твердой второй ступени (остается сделать вывод о немного большей распространенности лада, сейчас именуемого фригийским).
Эволюция, развитие синтезатора.
Синтезатор
— электронный музыкальный инструмент, создающий (синтезирующий) звук при помощи одного или нескольких генераторов звуковых волн. Требуемое звучание достигается за счет изменения свойств электрического сигнала (в аналоговых синтезаторах) или же путём настройки параметров центрального процессора (в цифровых синтезаторах). Синтезатор, выполненный в виде корпуса с клавиатурой, называется клавишным синтезатором. Синтезатор, выполненный в виде корпуса без клавиатуры, называется синтезаторным модулем и управляется от MIDI-клавиатуры. В случае, если клавишный синтезатор оборудован встроенным секвенсером, он называется рабочей станцией.Возникает путаница. Человек просит подобрать ему модель синтезатора, а в разговоре выясняется, что ищет всего лишь электрический заменитель фортепиано. Утверждает, что у него есть синтезатор, а располагает ромплером с авто-аккомпаниментом – самоиграйкой от Касио или Ямаха.
Думаю, что пришло время разобраться – что является синтезатором, а что – не является.
Звукотворчеством человек начал заниматься давно. Первым его инструментом был собственный голос и человек пытался подражать голосам других существ или даже стихий. Изображал связками, губами, зубами и языком то ржание коня, то дуновение ветра. Это началось очень и очень давно.
Чуть позже, но тоже в необозримом прошлом появился барабан из натянутой кожи. Запела тетива лука. Раздался свист флейты. Пронеслись тысячи лет и появились закрепленные в канонах конструкции – они имели свою теорию и единообразный характер звучания – что сочинялось на одном, легко могло быть исполнено на другом подобном инструменте. Возникли классы инструментов – струнные щипковые, струнные смычковые, духовые деревянные, духовые медные… Позже всех появились клавишные (духовые – орган, щипковые – клавесин и ударные – фортепиано, рояль), но оказались настолько удобными и наглядными, что вся дальшейшая музыка стала формироваться с опорой именно на клавишную секцию (несмотря на значительные принципиальные ограничения этих инструментов).
Как сделать свою домашнюю студию звукозаписи
Теория
Мы привыкли к тому, что говорим о звуке как об информации, которая может переноситься за счет упругих колебаний воздушной среды, электрического (аналогового) сигнала и в виде цифровых значений - все это мы называем звуком. Основные характеристики звуковых волн - их частота и амплитудные значения.
Наиболее популярная характеристика, которая сейчас распространена в бытовой аппаратуре - это громкость, являющаяся не только субъективной, поскольку описывает человеческие ощущения, но и для разных значений частот неравномерной.
Например, наиболее громко мы воспринимаем диапазон 1-4 КГц. Вторая характеристика - это мощность, которая привязана к типу носителя информации и, соответственно, имеет множество разновидностей.
Наиболее подходящие энергетические величины, которыми можно описать звуковую волну, являются среднеквадратическими. Например для описания звуковой воздушной волны применима ее интенсивность.
Интенсивность звука - это средняя по времени энергия, переносимая звуковой волной через единичную площадку, перпендикулярную к направлению распространения волны в единицу времени. Если мы говорим об электрическом сигнале, то наиболее подходящая величина - это RMS. Все дело в том, что они (среднеквадратические величины) наиболее удобны для описания звуковых процессов, поскольку точнее описывают энергетическую составляющую сложных или синусоидальных волн и субъективное восприятие человека.
RMS (аббревиатура от Root Mean Square, среднекадратический корень) - это среднеквадратичное значение всех мгновенных значений напряжений сложной звуковой волны. Для того, чтобы лучше понять природу использования среднеквадратичных величин рассмотрим понятие пик-фактора.
Пик-фактором называется отношение значения мгновенной, "пиковой" амплитуды сигнала к ее среднеквадратичному значению (RMS).
Классификация частот по уровню
Классически звуковой спектр делится на три части: низкие, средние и высокие частоты. Границы частот, хотя и не все с этим согласны, можно обозначить следующим образом: низкиеот 10 Гц до 200 Гц, средние от 200 Гц до 5 кГц, а от 5 кГц - высокие.Для более точного определения, давайте разделим эти три част на более мелкие и рассмотрим их по отдельности.
1) Низкие басы (от 10 Гц до 80 Гц) - это самые низкие ноты, от которых резонирует комната, а провода начинают гудеть. Если ваша звуковоспроизводящая аппаратура не воспроизводит эти частоты, вы должны ощутить потерю насыщенности и глубины звука. Естественно, при записи и сведении потеря этих частот вызовет тот же эффект.
2) Верхние басы (от 80 Гц до 200 Гц) - это верхние ноты басовых инструментов и самые низкие ноты таких инструментов, как гитара. Если потерять этот регистр, то вместе с ним потеряется и ощущение силы звука. А ведь именно в этих частотах содержится энергия звука, которая заставляет вас пританцовывать под музыку, недаром основная энергия ритм-секции сконцентрирована именно в этом регистре.
3) Низкие средние (от 200 Гц до 500 Гц) - здесь размещается почти весь ритм и аккомпанимент, это регистр гитары.
4) Средние средние ( от 500 Гц до 2.500 Гц) - соло скрипок, соло гитар, фортепиано, вокал. Музыку, в которой не хватает этих частот обычно называют "занудной" или "смурной".
Звуки и его оттенки, как извлекать звуки из гитары?
Терри Ашер (1909-1969) - английский гитарист, теоретик гитары; начал играть на этом инструменте в 1932 году. С 1936 года стал заниматься преподавательской деятельностью и писать для музыкальной прессы. Тогда же впервые выступил по радио. В 1937 году на концерте в Ливерпуле впервые услышал Сеговию. Это произвело на него такое сильное впечатление, что он приступил к серьезному изучению гитарного искусства и вскоре стал ведущим специалистом в области гитары в Британии. Терри Ашер - автор многих произведений для гитары, часто публиковался в различных изданиях, посвященных гитаре. В 1954 году был приглашен ведущим преподавателем по классу гитары в музыкальный колледж Манчестера.
Когда гитаристов спрашивают, почему они избрали гитару, иногда отвечают - потому, что этот инструмент портативен и его можно возить повсюду. Но чаще можно услышать - мне понравилось ее звучание. Да, нам нравится звучание гитары, и это главное ее достоинство, но ведь у гитары и множество недостатков: она не обладает большим объемом звука, не может использоваться в оркестрах, и даже в камерных ансамблях ей отводится очень небольшая роль, а техника игры на гитаре настолько трудна, что ее сольный репертуар намного уже, чем, скажем, у фортепиано. Но все же мы играем на гитаре - потому что любим ее звучание.
Давайте же возьмем из гитары все лучшее - извлечем из нее хорошие плотные звуки и придадим им всевозможные тоновые оттенки. Как сделать это? Прежде всего - приобрести хорошую гитару с точно размеченными ладами и струнами соответствующей длины и жесткости. Разумеется, у вас должна быть развита левая рука, чтобы при игре избежать волчков - дребезжания струн и прочих погрешностей. Но главное все же заключается в технике правой руки.
Добротный звук и тоновые оттенки совсем не обязательно идут, так сказать, рука об руку. К сожалению, часто случается так, что исполнитель добивается широкого разнообразия тонов, но они очень плохого качества. Для того чтобы извлечь плотный и сильный звук, нужно стремиться играть правой рукой в стандартной постановке, т. е. когда пальцы производят удар по струнам у края резонаторного отверстия со стороны подставки. Это достигается так: